Spike Lee partage 4 techniques cinématographiques essentielles

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Les conseils de Spike Lee pour raconter une histoire qui résonne

Spike Lee

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Les 4 conseils de Spike Lee pour utiliser l'appareil photo pour raconter votre histoire

Spike Lee est connu pour essayer différentes techniques cinématographiques dans son travail, donnant à ses films un sentiment vivant, organique et un aspect cinématographique. Si vous cherchez à pimenter votre cinéma, essayez de penser comme un directeur de la photographie , en utilisant la caméra pour renforcer votre narration. Voici quelques conseils de Spike pour utiliser un travail de caméra intéressant pour élever votre histoire :

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1. Jouez avec les angles de caméra . La façon la plus simple que je connaisse de montrer un contraste entre les personnages avec la cinématographie est simplement le placement de la caméra, explique Spike. Si vous voulez montrer que quelqu'un n'est peut-être pas fort et un peu faible, vous lui tirez dessus d'en haut. Si vous voulez montrer que quelqu'un est puissant et contrôlant, vous lui tirez dessus par le bas. En plus des plans en plongée et des plans en contre-plongée, Spike utilise différents angles de caméra dans ses films pour suggérer une tension, par exemple une scène particulière dans Faire la bonne chose , quand Buggin' Out, Radio Raheem et Smiley entrent dans un restaurant pour affronter Sal, la tension est palpable en raison de l'angle de caméra incliné. Pas un angle hollandais, pas un angle chinois, un angle incliné, dit Spike. Quand vous voyez cet [angle]—euh oh. Spike utilise l'angle de la caméra inclinée pour indiquer au public le conflit imminent.
2. N'ayez pas peur de déplacer la caméra . Il y a une dynamique que vous obtenez avec le mouvement de la caméra, explique Spike. Mouvement de la caméra peut communiquer la puissance, la tension ou l'action montante. Spike dit qu'il a essayé d'éviter les tirs statiques lors du tournage Faire la bonne chose parce que le film parle de mouvement. Nous voulons que les gens se déplacent dans le cadre, loin du cadre, d'un côté à l'autre, dit-il. Comme exemple de mouvement de caméra, Spike explique une scène particulière dans Faire la bonne chose dans lequel pour plusieurs prises de vue dos à dos, la caméra entre (sur un chariot ou à main) sur des personnages uniques en train de parler, mais lorsqu'elle passe au personnage de Samuel L. Jackson, la caméra est statique tandis que Jackson est celui qui fait un zoom avant à la lentille. Il attire l'attention sur le moment et lui donne un plus grand impact.
3. Utilisez des scènes à une prise pour un intérêt visuel . De nombreux cinéastes, lorsqu'ils tournent une conversation entre deux groupes de personnes, filment les deux côtés séparément en gros plan, puis coupent simplement entre les deux plans pour assembler la scène. Lors du tournage d'une scène pour Mo 'Better Blues , Spike a voulu éviter cela, choisissant plutôt de filmer toute la scène en une seule prise avec une seule caméra en volleyant le point de vue entre les deux groupes. C'est plus amusant et plus organique, dit Spike. Ce genre de choses est une chorégraphie entre les acteurs et la caméra. Cette technique de prise de vue peut être particulièrement utile pour les cinéastes indépendants qui n'ont peut-être accès qu'à une seule caméra. Si vous voulez prendre une photo comme celle-ci, le conseil de Spike est simple : vous devez continuer à y travailler jusqu'à ce que vous ayez bien compris.
4. Utilisez la caméra pour parler au public . Spike emploie souvent des personnages qui parlent directement à la caméra dans ses films. La caméra est le public, dit Spike. Lorsque les personnages parlent à la caméra, tout le monde s'adresse au public. Dans un autre des films de Spike, 25ème heure , le personnage d'Edward Norton se parle dans le miroir, mais lorsque la caméra lui fait face, l'acteur semble s'adresser directement au public. Cela rend la scène beaucoup plus intime pour le public. Vous ne pouvez pas faire ça tout le film, prévient Spike, donc vous devez être très judicieux de l'endroit où vous faites cela.

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Il y a beaucoup de choses que vous pouvez faire pour développer vos techniques de réalisation, mais la première étape pour tout aspirant directeur de la photographie est de se familiariser avec une grande variété de types de tirs. Voici s quelques-uns des clichés les plus courants à Hollywood :

1. Gros plan/gros plan moyen : Gros plans sont filmés de manière à encadrer étroitement le sujet, remplissant l'écran d'un aspect ou d'un détail particulier tel qu'un visage ou une main.
2. Super gros-plan : Un gros plan extrême est une version plus intense d'un gros plan, ne montrant généralement que les yeux ou une autre partie du visage.
3. Coup moyen : Quelque part entre un plan rapproché et un plan large, le plan moyen est filmé à partir d'un point de vue qui montre un sujet de la taille vers le haut, tout en révélant également une partie de l'environnement environnant.
4. Plan large : Un plan large, aussi appelé un long shot , est filmé d'un point de vue éloigné d'une manière qui met l'accent sur le lieu et l'emplacement, plaçant le sujet de la scène dans son contexte.
5. Plan large extrême : Un plan extrêmement large, également appelé plan extrêmement long, est filmé à partir d'un point de vue extrêmement éloigné. Cette distance extrême est destinée à faire paraître le sujet petit ou insignifiant dans son emplacement.
6. Tir d'établissement : Le plan d'établissement apparaît au début d'une scène pour indiquer au public où il se trouve. Cela prépare le terrain pour ce qui va arriver dans la scène.
7. Tir à l'épaule : Une autre façon de capturer deux sujets dans le même cadre consiste à prendre une photo par-dessus l'épaule, lorsque l'appareil photo est placé derrière l'épaule d'un sujet (avec l'autre sujet visible à l'écran).
8. Prise de vue au point de vue/prise de vue POV : Un plan de point de vue montre l'action à travers les yeux d'un personnage spécifique. Essentiellement, cela permet au public de devenir ce personnage.
9. Angle hollandais : Une prise de vue où la caméra est inclinée d'un côté. Aussi appelé angle incliné, un angle hollandais est destiné à désorienter le public ou à transmettre le chaos.
10. Coup de chariot : Une prise de vue où la caméra est déplacée le long d'une piste de chariot, souvent en synchronisation avec, en se rapprochant ou en s'éloignant du sujet lorsqu'il se déplace.
11. Zoom chariot : Pendant que l'appareil photo se déplace sur un chariot vers ou en s'éloignant d'un sujet, le zoom est tiré dans la direction opposée pour donner l'illusion d'un zoom avant tandis que le sujet reste de la même taille (également appelé prise de vertige). Apprenez-en plus sur le Double Dolly Shot de Spike Lee dans notre guide ici.
12. Tir de suivi : Un plan où la caméra se déplace avec le personnage qu'elle filme.
13. Prise de vue panoramique : Dans un plan panoramique, la caméra se déplace sur une tête fixe et pivotante.
14. Tir de grue : Cette photo est prise sur une grue en mouvement, souvent pour imiter le balayage sur ou autour du sujet.
15. Prise de vue aérienne : Une prise de vue aérienne est prise encore plus haut qu'une prise de vue à vol d'oiseau, généralement à partir d'un hélicoptère ou d'un drone. Il montre des kilomètres de paysage ou de paysage urbain d'en haut, et bien que le sujet ne soit pas visible, il communique au public qu'il se trouve quelque part dans ce monde.

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