Jouer pour un film nécessite des techniques différentes de celles de jouer sur scène. L'actrice primée Helen Mirren propose ses conseils pour jouer devant la caméra.
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- Quelle est la différence entre le théâtre et le cinéma ?
- La nécessité d'apprendre les techniques d'acteur de film
- Le meilleur des conseils d'acteur de film d'Helen Mirren
- 1. Comprendre les différents plans de caméra
- 2. Gardez une trace de l'histoire
- 3. Équilibrer la technique avec l'émotion
- 4. Développer un rituel
- 5. Affinez votre processus créatif personnel
- En savoir plus sur la MasterClass d'Helen Mirren
Helen Mirren enseigne la comédie Helen Mirren enseigne la comédie
En 28 leçons, la gagnante des Oscars, Golden Globes, Tony et Emmy enseigne son processus pour jouer sur scène et à l'écran.
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Helen Mirren est l'une des plus grandes actrices de notre temps, sans parler d'une lauréate d'un Oscar, d'un Emmy Award, d'un Tony Award et d'un Golden Globe. Bien que l'actrice anglaise n'ait pas suivi de cours de théâtre traditionnel dans une école d'art dramatique, elle a suivi une formation intensive à la prestigieuse Royal Shakespeare Company à Londres et a également passé un an à parcourir le monde dans la compagnie de théâtre expérimental de Peter Brook. Elle est connue pour son travail à la fois sur scène et au cinéma.
Quelle est la différence entre le théâtre et le cinéma ?
D'un point de vue imaginatif, jouer sur scène et à l'écran est la même chose ; mais il existe deux grandes différences qui affectent les techniques d'acteur que vous utilisez lorsque vous jouez à la caméra. L'un est le gros plan : vous pouvez utiliser votre visage comme un instrument plus nuancé lorsque vous travaillez devant la caméra. Sur scène, le public est assis à distance et ne peut pas lire les changements nuancés de vos expressions faciales de la même manière qu'il le ferait à l'écran. Sur film, vous avez plus de contrôle sur les subtilités de l'expression ou les changements de tonalités vocales. L'autre est le contrôle de vos performances. Lorsque vous êtes dans une pièce, vous contrôlez entièrement votre performance : comment vous bougez, quand vous bougez, quand vous attirez l'attention ou quand vous choisissez l'immobilité. Dans le cinéma, vous cédez une partie de votre contrôle à un réalisateur et monteur, qui construit votre performance à travers une série de plans.
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Quelle est la différence entre le théâtre et le cinéma ?Hélène Mirren
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La nécessité d'apprendre les techniques d'acteur de film
Les acteurs professionnels les plus polyvalents se consacreront à l'apprentissage des techniques d'acteur au meilleur de leurs capacités. Le processus d'apprentissage de la technique peut être un travail difficile, mais il est nécessaire pour lâcher prise et trouver la liberté de création. Au cours du processus d'apprentissage de la technique cinématographique d'Helen, elle a trouvé l'inspiration dans le livre Interviews with Francis Bacon, dans lequel Bacon explique comment la maîtrise de la technique vous permet d'avoir des moments d'inspiration pure et incontrôlable.
Le meilleur des conseils d'acteur de film d'Helen Mirren
Ici, Helen partage ses quatre meilleurs conseils d'acteur de cinéma pour les acteurs de cinéma, vous rappelant que votre prise la plus brillante ne sera utilisable que si vous atteignez votre cible.
1. Comprendre les différents plans de caméra
Pour réussir à la caméra, vous devez comprendre la manière dont vous serez filmé. Obtenez une meilleure compréhension de la façon dont les cadres et les angles influencent vos performances avec certaines des prises de vue les plus courantes :
- Gros plan : un plan rapproché qui zoome sur un aspect spécifique d'un personnage ou d'une scène, généralement des expressions faciales ou des gestes de la main ; la subtilité est la clé du gros plan. Le plus souvent utilisé pour fournir un sentiment de proximité émotionnelle, il peut également être utilisé pour révéler un sous-texte ou créer de la confusion en limitant l'accès du public à la scène plus large.
- Mid-shot : une prise de vue confortable qui remplit le cadre de manière égale avec l'arrière-plan et les sujets. Habituellement utilisé pour représenter de petits groupes de personnes plongés dans un dialogue, ou une photo à la taille d'une seule personne en action.
- Plan large : plan long reculé de manière à montrer une scène entière, généralement réalisé avec un objectif grand angle. Pensez à des scènes où des armées entières marchent, ou des foules de gens remplissent les rues, ou une voiture descend une route panoramique, ou un acteur traverse une forêt.
Pour mettre en pratique vos talents d'acteur à la caméra, invitez un partenaire pour vous aider à filmer votre monologue en utilisant ces trois plans différents : un plan large, un plan moyen et un gros plan. Exécutez votre monologue dans chaque plan au mieux de vos capacités. Remarquez comment faire un plan large vous permet d'utiliser votre physique et l'espace dans lequel vous vous trouvez, tandis que le plan intermédiaire et le plan rapproché changent la conscience de ce qui se passe dans vos yeux et sur votre visage. Remarquez également comment certaines de vos postures corporelles et de vos manières disparaissent dans le gros plan. Étudiez chacun. En quoi diffèrent-ils ? Que changerais tu?
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Apprendre encore plus2. Gardez une trace de l'histoire
Les films sont souvent tournés hors séquence, il est donc essentiel de maintenir une conscience proactive de la façon dont vos scènes ou plans s'intègrent dans l'ensemble du film. Assurez-vous de vous familiariser avec le superviseur du scénario, qui est en charge du suivi de la continuité, et il pourra vous tenir informé de l'endroit où vous en êtes dans l'histoire. Il est utile d'avoir une idée de l'ordre des tirs au début de votre journée et n'ayez pas peur de demander quel sera le prochain tir si vous êtes perdu.
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3. Équilibrer la technique avec l'émotion
Pensez comme un pro
En 28 leçons, la gagnante des Oscars, Golden Globes, Tony et Emmy enseigne son processus pour jouer sur scène et à l'écran.
Voir la classeLe cinéma demande à votre esprit de fonctionner sur plusieurs pistes en même temps : la piste émotionnelle et la piste technique. La quintessence de la technique cinématographique est d'être capable d'équilibrer un sens aigu de l'endroit où vous vous trouvez émotionnellement avec un sens aigu de l'endroit où se trouve la caméra par rapport à vous. Tout au long de votre carrière d'acteur, il y aura des cas où des scènes nécessiteront simultanément une expression émotionnelle intense et des capacités techniques ; c'est là que la réflexion à deux pistes vous aidera à jouer à la fois le moment émotionnel de la scène en temps réel, tout en sachant exactement où se trouve la caméra.
4. Développer un rituel
Le choix de l'éditeur
En 28 leçons, la gagnante des Oscars, Golden Globes, Tony et Emmy enseigne son processus pour jouer sur scène et à l'écran.Les décors de cinéma et les théâtres peuvent être des lieux accablants et distrayants. Pour donner le meilleur de vous-même, trouvez un moyen d'éliminer les distractions et de rester ancré dans votre propre processus personnel.
Voici ce qui se passe juste avant une prise : vous êtes dans votre monde ; vous êtes dans votre personnage ; vous êtes dans votre environnement, dit Helen. Où que ce soit ! ça peut être la Rome antique, vous savez, ça peut être n'importe où. Mais, à ce stade, vous devez supprimer toutes ces choses de votre monde. Vous devez maintenir votre concentration, retrouver votre caractère ; retrouver votre environnement. Et maintenant, vous êtes peut-être prêt à travailler.
Si vous vous sentez perdu ou anxieux, essayez de développer un rituel pour vous plonger dans votre personnage ou dans le moment de l'histoire. la scène commence. Vous pouvez également chercher l'inspiration chez les bébés et les chiens, comme le fait Helen. Ils sont si simples et si présents lorsqu'ils sont devant la caméra qu'ils sont toujours envoûtants. Recherchez cet état en vous-même.
Lorsque le réalisateur appelle à l'action, vous n'avez pas besoin de commencer à jouer tout de suite, dit Helen. Si vous avez besoin d'un peu plus de temps juste pour vous retirer de toute cette distraction incroyable à laquelle vous avez dû faire face en vous préparant à venir sur le plateau, puis à venir sur le plateau. Un décor est un environnement incroyablement distrayant, et il s'agit de maintenir la concentration.
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4. Développer un rituelHélène Mirren
Enseigne le théâtre
Explorer la classe5. Affinez votre processus créatif personnel
Il est important de se rappeler que vous êtes unique - tous les acteurs le sont, alors soyez honnête avec ce dont vous avez besoin pour que vous puissiez faire de votre mieux. Vous pourriez avoir une manière complètement différente de celle de votre partenaire de se préparer pour une prise. Restez fidèle à votre processus et ne laissez pas les autres acteurs vous en détourner. Si vous êtes aux prises avec un défi sur le plateau, comme une co-star avec laquelle vous ne vous connectez pas, essayez de canaliser vos sentiments dans votre performance – utilisez-les, ne les combattez pas.
Finalement, il n'y a pas de règles. Vous continuerez à apprendre au fur et à mesure, et une grande partie de ce que vous ferez sur le plateau viendra avec l'expérience. Abandonnez-vous à ce fait et continuez à trouver la joie dans votre travail, que vous visiez un rôle dans un court métrage ou dans une superproduction hollywoodienne.
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